sábado, 27 de agosto de 2016

pelicula: Tony Arzenta

Muy buenas a todos. Hoy os traigo un thriller italiano de los setenta poco conocido y que merece la pena ser descubierto. Protagonizado por una de las grandes estrellas europeas de la época y con una realización correcta de su responsable, es un film que sin duda alguna hará las delicias de los que son amantes de este género que rodado en Europa ha deparado a los fans del mismo más de una alegría. Vayamos a un viaje que nos llevará alguna de las principales ciudades europeas para acompañar a nuestro protagonista en su aventura. ¿Listos? Allá vamos.


Dirigida en 1973 por Duccio Tessari, realizador recordado por el film Una mariposa con alas ensangrentadas, la trama nos cuenta como Tony Arzenta, Alain Delon, un sicario que trabaja para una familia criminal en Milán y que se extiende por Paris, Hamburgo y Copenhague decide dejar su trabajo tras su último encargo. Sus jefes, temerosos de que pueda traicionarles deciden matarlo poniendo una bomba en su coche, que mata por error a la mujer e hijo de Arzenta. Desde ese momento Tony iniciará su venganza.

Apreciable thriller de acción bien dirigido por su realizador, que gusta de usar los primeros planos para realzar las reacciones de los personajes y de los generales en las escenas de persecución, violentas y que eran típicas de aquella época.

Algo que puede sorprender al espectador es que pese a retratar un mundo de criminales, es que el jefe de Arzenta interpretado por Richard Conte, Don Barzini en El Padrino, es el único que tiene algo de moralidad al recalcar que hay que dejar a los inocentes fuera de la venganza contra Arzenta al contrario de sus compañeros a quienes no les importa acabar con ellos con tal de conseguir acabar con nuestro protagonista.

Es una historia de venganza, en la que nuestro protagonista demuestra estar cansado de la misma hacia el final de la cinta, cansado de un mundo del que quiere salir y viendo que el camino que ha iniciado no le traerá de vuelta a sus seres queridos. Es alguien que quiere vivir en paz, pero a quién las circunstancias le han hecho volver a tomar un camino que quería abandonar.



Delon durante los 70 interpretó bastantes thrillers entre los que merecen destacarse Historia de un policía, Circulo rojo; Crónica negra, Borsalino y su secuela Borsalino y cia o El clan de los sicilianos por lo que el género no era en absoluto desconocido para él. Trabajó con algunos de los mejores directores del mismo como Jean Pierre Melville; Jacques Deray o Henri Verneuil. En estos films el intérprete francés despliega su buen hacer bien sea interpretando al héroe o al villano, estando muy bien en ambos roles, lo que vuelve a repetir en la entrada de hoy.

Es un thriller seco y violento, las escenas en las que Arzenta despliega su venganza son cortas pero eficaces, bien sea en las calles o en un tren, una de las mejores secuencias de la cinta, nuestro protagonista despliega su pericia para alcanzar su objetivo. Hoy día resultaría complicado ver un momento tan duro como el interrogatorio a Sandra, Carla Gravina, una aliada de Arzenta a quien torturan a base de golpes sin que te acusen de violencia machista.

El film con una duración de poco más de noventa minutos no concede un momento de respiro. No da tiempo a aburrirse puesto que la acción es constante y nuestro protagonista no para de viajar a las ciudades ya mencionadas para llevar a cabo su venganza. No cuenta con un gran arsenal, apenas con una pistola y una navaja, pero a cambio cuenta con su pericia y experiencia con la que conseguir el objetivo que se ha propuesto.

Si os gusta el thriller europeo de los 70 y no conocíais esta cinta os la recomiendo, seguro que no os vais a arrepentir en absoluto de descubrirla.

A continuación el tráiler:



Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

viernes, 26 de agosto de 2016

pelicula: El dragón del lago de fuego

Muy buenas a todos. Hoy os traigo una cinta que en el momento de su estreno fue un batacazo en taquilla, y no por que fuera mala, sino que coincidió en taquilla con la primera parte de Indiana Jones y con Conan el Bárbaro. Debido a esto la gente dio de lado a esta producción de los estudios Disney en coproducción junto con la Paramount, que con el tiempo ha ido adquiriendo la categoría de película de culto. Viajemos al siglo VI para conocer las peripecias de nuestro protagonista para acabar con un terrible dragón. ¿Listos? Allá vamos.

Dirigida y escrita por Matthew Robbins en 1981, el argumento nos cuenta como el reino de Urland se encuentra asediado por el terrible dragón Vermithrax, a quién el rey ha prometido una doncella al año para mantener a salvo a su pueblo. Cuando Valerian, Caitlin Clarke, hija del herrero Simon, Emrys James, es disfrazada por su padre de muchacho para evitar el sacrificio decide buscar la ayuda del mago Ulrich, Ralph Richardson, para derrotar al dragón. El mago es asesinado por lo que su aprendiz Galen, Peter Macnicol, cogerá el testigo de su maestro y vivirá una gran aventura.

Hacía mucho tiempo que no veía esta cinta, creo recordar que más de 20 años, por lo que el recuerdo que tenía de ella si bien era borroso me acordaba de ciertos detalles. Hace poco he podido revisarla y he decir que la he disfrutado igual que cuando era pequeño. Pese a contar con más de treinta años desde el momento de su realización, es un film que no ha envejecido en absoluto y mantiene intacto el encanto del momento de su estreno.

Uno de los aciertos de la cinta reside en la elección del héroe. Dista mucho de ser el típico guerrero de fantasía heroica con montones de músculos por todas partes. Aquí es alguien bajito, sin apenas musculatura y torpe, es decir, el polo opuesto a lo que se espera que sea el salvador de un reino en peligro. De esta forma no resulta complicado verse identificado con el protagonista, puesto que podía ser cualquiera de nosotros. El encargado de dar vida a este particular héroe fue Peter MacNicol, al que los espectadores de televisión seguro recuerdan como Bizcochito en la serie Ally MacBeal.

Otro de los aciertos reside en la decisión de no mostrar al dragón del título hasta bien entrado el metraje del film. Mientras tanto los espectadores prestan más atención a las peripecias de los personajes. Una vez que se nos muestra el dragón, se ve que la espera ha merecido la pena. Es uno de los mejores dragones que se ha visto en una película. Los culpables son los técnicos de efectos especiales de la ILM, que mediante la técnica go-motion dieron vida a este monstruo mitológico. Esta técnica fue usada el año anterior en El imperio contraataca para dar vida a los AT AT y los taun taun y sería usada de nuevo en El retorno del Jedi.


La película es pura fantasía, tenemos los elementos que son característicos en este género: un mago; una criatura a la que matar; un héroe; una princesa; un reino en peligro.... Uno no puede evitar dejarse llevar por las aventuras de los protagonistas, pese a que ya hemos visto lo que nos está contando en otras ocasiones, hay que disfrutar de la propuesta de sus implicados y ver en imagen real aquellas historias que habíamos leído de forma anterior.

Los personajes nos ofrecen unas actuaciones correctas, siendo uno de los que más molan el encarnado por Clarke quien aporta mucho carisma a su personaje y en ocasiones llega a eclipsar a MacNicol. Y hablando de actores, si uno presta atención podrá ver en un rol secundario como sacerdote a Ian Macdermid, más conocido por los aficionados al universo Star Wars como el emperador Palpatine.

Los efectos visuales ya mencionados hace unas líneas atrás, hoy nos provocan una sonrisa nostálgica pese a que los mismos han quedado obsoletos si los comparamos con los que se crean hoy día. Y pese a ello, siguen manteniendo su encanto si tenemos en cuenta los medios con los que fueron hechos.

Una cinta que recomiendo ver para aquellos que no lo hayáis hecho ya, es un viaje nostálgico a los años 80 que fueron una autentica mina de oro en lo que a producciones familiares se refiere, como ya he mencionado en más de una ocasión en el blog. Si ya la visteis, es un buen momento para volver a hacerlo y viajar de nuevo a nuestra infancia para volver a ser niños una vez más.

A continuación el tráiler:


Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

jueves, 25 de agosto de 2016

pelicula: Merentau

Muy buenas a todos. Hoy os traigo una cinta de acción poco conocida de hace siete años, lo que es una verdadera pena puesto que sus responsables, unos años después nos trajeron una de las mejores películas del género como es The Raid. Aquí todos ellos demuestran su buen hacer, tanto detrás como delante de las cámaras para traernos un film de acción a la antigua usanza y donde el trabajo de los especialistas hay de destacarse. Viajemos a Yakarta para conocer más sobre esta película. ¿Listos? Allá vamos.


Escrita y dirigida por Gareth Evans en 2009, la cinta nos cuenta la historia de Yuda, Iko Uwais, un joven campesino practicante de Silat, ha de dejar su pueblo y trasladarse a Yakarta donde ha de seguir la tradición de los Merentau, para labrarse un futuro en la capital. Al poco de llegar su encuentro fortuito con Adit, Yusuf Aulia, un ladronzuelo y su hermana Astri, Sisca Jessica, a la que salva de ser golpeada por el chulo Johni, Alex Abbad, le llevará a proteger a ambos hermanos y evitar que la chica caiga en la red de proxenetas para la que trabaja Johni y que está liderada por el sádico Ratger, Mads Koodal, y su mano derecha Luc, Laurent Buson.

Como se puede ver por el argumento no hay nada nuevo bajo el sol. Esta historia  no es la primera vez que se ve en pantalla, pero es de nuevo la forma en que lo cuentas la que hace que pueda resultar más o menos interesante para los espectadores. Evans sabe que su historia no es novedosa, por lo que pone toda la carne en el asador en las abundantes escenas de acción que hay a lo largo de la película.

Estas set pieces son una maravilla, sobre todo gracias a la labor de los actores y del equipo de especialistas encargado de coreografiar las escenas de lucha. Estas son violentas y rehúyen de la utilización de cables o ayudas, lo que vemos es el resultado de horas de trabajo y de tenerlo todo cronometrado al minuto para que nada falle a la hora de golpear.

Los que somos aficionados al cine de acción y artes marciales, no podemos si no frotarnos las manos y alegrarnos cuando producciones como esta caen en nuestras manos. Es puro entretenimiento y nos  quedamos con la boca abierta viendo las diversas luchas que van apareciendo. Bien sea en un espacio reducido como un ascensor, que tiene lugar poco antes de la batalla final, en un puente o en un muelle de carga por citar algunos ejemplos el protagonista demuestra su buen hacer en Silat.


Es una pena que cintas como esta no lleguen a estrenarse en nuestras pantallas. Son una muestra que con un presupuesto reducido se pueden hacer verdaderas maravillas dentro de la acción. Y en cambio tonterías como la enésima entrega de Superhero movie y similares tengan muchas copias es algo que no logro entender.

Evans ha demostrado con las dos partes de The Raid, más una tercera en camino, y Merentau que es uno de los realizadores del momento en el cine de acción. Es director a la antigua usanza de este género, que no usa efectos digitales y toda la acción es cien por cien real, física y violenta. Uno casi puede sentir las hostias que se llevan todos los que participan en las peleas.

Aquí uno tiene que dejarse llevar por lo que está viendo, sin cuestionarse sin las actuaciones de los actores son más o menos correctas, sí el guión tiene más o menos agujeros o si podría haber más humor. Esta es de esas ocasiones en las que hay que desconectar el cerebro y disfrutar de lo que está viendo, es cine de artes marciales género que no destaca precisamente por la calidad de sus actuaciones o libretos.

Os la recomiendo sobre todo si disfrutasteis con las entregas de The Raid y no habéis visto esta, es pura evasión que no concede un momento de respiro y no da tiempo a que te aburras. Si la visteis ya, siempre es buen momento para volver a hacerlo y matar el gusanillo hasta que nos llegue el nuevo trabajo de su director.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.



martes, 23 de agosto de 2016

pelicula: Zona de guerra el parque

Muy buenas a todos. Hoy os traigo uno de esos clásicos de los ochenta de los videoclubs y que nos llamaba la atención sobre todo por su portada y que los que hemos sobrepasado la treintena, seguro que habremos visto o al menos oído hablar de ella. Fue una de tantas cintas que intentaron sumarse al éxito de filmes como Rambo y similares que tan de moda estaban hace ya treinta años, pero los resultados no llegaron a ser del todo satisfactorios. Vayamos a Central Park y conozcamos a nuestro protagonista y los motivos que le han llevado a tomar tan famoso escenario de Nueva York. ¿Listos? Allá vamos.


Dirigida en 1986 por Steven Hillard Stern y con guión de Lyle Gorom, el argumento nos contaba como Mitch, Tommy Lee Jones, un veterano del Vietnam no termina de acostumbrarse del todo a la vuelta a su país. Sin trabajo y sin dinero con el que poder pasar la pensión a su ex mujer, el suicidio de un amigo le empuja a retomar lo que su compañero dejó a medias: tomar Central Park durante 72 horas justo antes de la celebración del día del veterano, para llamar la atención sobre la situación en la que se encuentran otros veteranos del Vietnam. Su aventura dividirá a la opinión pública y pondrá en jaque a las autoridades políticas y policiales.

Esta película fue estrenada para televisión, de ahí la factura que tiene y que entre nosotros llegó a la gran pantalla como ocurrió con otras producciones anteriormente. Como por ejemplo El diablo sobre ruedas de Steven Spielberg o Código del hampa de Donald Siegel que siguieron el mismo camino que la entrada de hoy.

La cinta se une a otros films como El cazador o Acorralado, por citar dos de los más famosos que tenían como base la vuelta de veteranos del Vietnam y los problemas que tienen para integrarse en una sociedad que no los acepta. Los anteriores ejemplos son superiores a la de la entrada de hoy, no solo por la realización o porque el guión sea mejor, si no porque ambas saben sacar todo el jugo a la historia, algo que por desgracia no consigue Zona de guerra.

Y es que el principal problema radica en la dirección y el guión. Ambos se quedan cortos, no saben explotar el potencial de una historia que sin duda podría haber sido más interesante, y la realización para las escenas de acción es pobre. Y justo cuando parece que la cosa se podía poner interesante y despegar, es cuando el film está a punto de concluir lo que deja un sabor agridulce en los espectadores.


Lo mejor del film sin duda alguna reside en la interpretación de Jones. En esta película ya empezaba a dar muestras de su talento, que se confirmaría años después gracias a cintas como El fugitivo; Los tres entierros de Melquiades Estrada o No es país para viejos por citar tan solo algunos de sus mejores trabajos. Aquí Jones sostiene sobre sus hombros todo el peso de la producción y sale bastante airoso. Su personaje pese a ser un perdedor en toda regla, resulta complicado que no te caiga bien puesto que lo que quiere es justicia para aquellos soldados y en vez de recurrir a una protesta pacífica, decide tomar el famoso parque neoyorquino, pero sin causar bajas entre los civiles puesto que no está loco en absoluto.

Junto a Jones, nos encontramos en roles secundarios a Yaphet Kotto, como policía que intentará ayudar a Mitch y a Helen Shaver como la ex mujer del veterano. Ambos interpretes están correctos en sus interpretaciones e intentan hacer lo que pueden con unos personajes que podrían haber estado mejor escritos y definidos.

Las conversaciones de Jones con las autoridades nos muestran a un hombre que quiere llamar la atención sobre el problema de los veteranos del Vietnam. No quiere matar a nadie, baste recordar el momento en que expulsa a la policía del parque sin causar ninguna baja entre los miembros del cuerpo. Pero si amenazan su vida como ocurre en el tercio final, no dudará en aplicar sus conocimientos sobre armas para salir airoso de la situación.

Esta es una cinta fallida pero que uno recuerda con nostalgia. Tiene elementos interesantes pero no están del todo desarrollados como a uno le gustaría. Si la silla del director hubiera tenido a un realizador acostumbrado al cine de acción, como Walter Hill; Richard Donner o John McTierrnan el resultado final hubiera sido sin duda mucho más interesante. Estamos hablando de los ochenta, época dorada para este género y que nos ha dado cintas que todavía permanecen en la memoria del aficionado al cine y en la que los realizadores arriba mencionados tuvieron gran parte de culpa.

Si no la habéis visto os la recomiendo, sobre todo por ver la interpretación de Jones y por un par de momentos de acción sin duda curiosos. Y si la visteis en su momento, es buen momento para darle un nuevo visionado y ver que tal ha aguantado el paso del tiempo. No del todo bien por desgracia.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

lunes, 22 de agosto de 2016

pelicula: Los supercamorristas

Muy buenas a todos. Hoy os traigo una cinta de acción rodada en Barcelona en los años 80, y en la que coincidían tres estrellas del cine de acción de Hong Kong a los que se les unían intérpretes patrios en diversos roles. Un film bastante simpático y que pasa en un suspiro, debido sobre todo al buen hacer de sus protagonistas asiáticos y a la química que hay entre ellos. Viajemos a la ciudad condal de hace treinta años para conocer las peripecias de estos cocineros sobre ruedas. ¿Listos? Allá vamos.


Con guión y dirección de Sammo Hung y estrenada en 1984, la cinta nos cuenta las aventuras de Tomás, Jackie Chan, y David, Yuen Biao, dos primos chinos que poseen una camioneta de comidas. Una noche sus caminos se cruzan por accidente con el de Silvia, Lola Forner, una atractiva carterista que está siendo buscada por Moby, Sammo Hung, un torpe detective privado. Todos ellos ignoran la aventura que están a punto de vivir.

Este film es una nueva muestra de como se debe realizar el cine de acción o de artes marciales. Todo ello realizado de manera artesanal, recurriendo al trabajo de especialistas y ensayando las escenas una y otra vez hasta que las mismas salen bien y sin necesidad de recurrir a efectos digitales. Y tampoco sin que la cámara maree a los espectadores, lo que sin duda es de agradecer.

En esta película Chan vuelve a demostrar el porque esta considerado uno de los mejores artistas marciales de la historia de este género. A lo largo del film tiene algunos pequeños enfrentamientos con los secuaces del villano interpretado por Pepe Sancho. Pero es la pelea final contra Benny " The Jet " Urquidez por lo que esta cinta es recordada. Está rodada de manera artesanal, con ambos peleadores dando lo mejor de sí para alegría de la audiencia. Aquí Jackie apenas utiliza acrobacias y se emplea a fondo en el aspecto físico, siendo esta lucha una de las más espectaculares en la carrera del actor.


Esta cinta es puro entretenimiento cien por cien, cumple el objetivo con el que fue creada que no es otro que el de hacer pasar un buen rato al espectador y lo hace de sobra. Desde que comienza hasta que termina, resulta imposible aburrirse debido al buen ritmo que le sabe imponer Hung, tanto en las escenas de acción como en los momentos más tranquilos.

Otro de los instantes a recordar además de la pelea mencionada unas líneas más arriba, es la persecución entre Chan y sus amigos a bordo de su camioneta de comida, contra los villanos conduciendo dos taxis que han robado. Rodada en las calles de Barcelona y en las afueras de la ciudad, aquí no hay trucajes visuales. Todo trabajo de especialistas, así es como deben hacerse las persecuciones actuales y dejarse de pantallas verdes y similares.

En lo que respecta a los actores españoles, pues cumplen y poco más. Forner se dedica a pasear su palmito, esperando a ser rescatada por los protas de la película. Sancho pues se limita a actuar con el piloto automático puesto todo el rato, aparece cuando a la cinta le queda poco más de media hora de metraje por lo que poco puede hacer. Su pelea a esgrima contra Hung no da vergüenza y sabe mantener tipo.

Hung sabe sacar partido de Barcelona sacando los principales escenarios de la ciudad, como La Sagrada Familia o Las Ramblas, si no también aquellas localizaciones que serán menos conocidas para el público en general pero que sin duda, supone un pasatiempo divertido para todos aquellos habitantes de la ciudad que si la conocen intentando adivinar las calles donde Chan y compañía hacen de las suyas.

Si sois fans de Jackie Chan y no la habéis visto os la recomiendo, sin duda vais a pasar un buen rato viendo en acción a Chan en sus mejores momentos. Y si ya la visteis, siempre es un buen momento para darle un nuevo visionado y ver que tal ha aguantado el paso del tiempo. Para mi no ha envejecido en absoluto.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

sábado, 20 de agosto de 2016

pelicula: Al caer el sol

Muy buenas a todos. Hoy vengo a hablaros de una de esas cintas de cine negro de la década de los 90, con un gran reparto, un guión interesante y una correcta dirección pero que hoy día no es muy conocida por desgracia. Lo que es una pena, puesto que supone la unión de grandes intérpretes del Hollywood dorado que dan muestra de su talento para contarnos una historia que es un homenaje en toda regla al género negro que tiene en su haber unas cuantas obras maestras. Viajemos a la meca de los sueños para conocer las peripecias de nuestro protagonista. ¿Listos? Allá vamos.


Dirigida y con guión de Robert Benton en 1998, la trama nos cuenta como Harry Ross, Paul Newman, antiguo detective y policía se encuentra viviendo con sus amigos actores Jack, Gene Hackman, y Catherine Ames, Susan Sarandon, en Los Ángeles. Cuando Jack le pide ayuda a Harry para un caso de chantaje al que está siendo sometido, poco podrá imaginar los líos que le aguardan a medida que avanza en su investigación. Pero Harry tendrá la ayuda de Verna Hollander, Stockard Channing, antigua compañera en el cuerpo y de Raymond Hope, James Garner, que busca ayudar a Catherine.

Este es a grandes rasgos el argumento. Como se puede ver en el resumen, la cinta sigue lo que es la norma básica dentro del género negro: la investigación en lo que nada es lo que parece y las sorpresas y giros que van apareciendo para esclarecer, o entorpecer la misma. Puesto que a medida que el protagonista va encontrando nuevas pistas, las mismas hacen que lo que va encontrando le vaya gustando cada vez menos.

Esta no es la primera ocasión en la que Newman encarna a un detective privado. Ya lo hizo en la década de los 60/70 en la dupla de films de Harper. En Al caer el sol, el personaje de Newman es un personaje desengañado y sin apenas ilusión en la vida. Ha perdido lo que le era caído, fue alcohólico y ahora vive gracias a la ayuda de Jack y su mujer. Es un detective clásico, que se encuentra de vuelta de todo pero a los que todavía les queda guerra por dar y al que no conviene subestimarle.

En esta película Newman nos muestra por qué fue uno de los grandes intérpretes del Hollywood de la década de los cincuenta en adelante. Sin ser esta una de sus grandes interpretaciones, demuestra que el que tuvo retuvo. Así, sus escenas compartidas con Hackman; Garner o Sarandon son una prueba más del buen hacer de este actor. Una cosa  tras intrascendente como las partidas de cartas que tiene con Hackman o las conversaciones banales con Garner, son una pasada.

En lo que respecta a los secundarios destacan Reesee Witherspoon, como la hija del matrimonio de Hackman y Sarandon,  y Liev Schreiber como su antigua pareja. Pese a su juventud en el momento de realizar este film ya daban muestras de lo que podían dar de si en un futuro, como lo han demostrado con premios de la academia en el caso de Witherspoon o con roles intensos en el caso de Schreiber en la serie Ray Donovan.


Por último Sarandon despliega aquí una gran sensualidad que traerá de cabeza a Newman. La que  fuera ganadora del Oscar por Pena de muerte, aquí hace un rol de una mujer que no duda en usar sus armas para conseguir su objetivo, una femme fatale en toda regla. Un papel sin duda alejado a los que suele dar  vida Sarandon.

El único pero que se le  puede sacar es que Benton tiene un buen guión entre manos, pero no sabe plasmar lo mismo en la dirección teniendo a los actores que tiene bajo su batuta. Si otro director más acostumbrado a realizar género negro como John Dahl por ejemplo, se hubiera hecho cargo el resultado final hubiera sido, a todas luces mucho más interesante del que nos acabó llegando.

Con esto no digo que sea una mala película, dista mucho de serlo. Puesto que la buena labor de su reparto, los buenos diálogos y una partitura compuesta por Elmer Bernstein hacen que sus virtudes sean superiores a sus defectos.

Se podría calificar a esta cinta como cine  negro crepuscular, puesto que sus intérpretes ya hace tiempo que peinan canas. Están ya desencantados de la vida e intentan vivir su vida de la mejor forma posible, intentando que sus fantasmas y errores del pasado no les pasen factura.

Si no la habéis visto y os gusta el cine negro os la recomiendo. Y si  la visteis en su momento, siempre es un buen momento para darle un nuevo visionado.

A modo de curiosidad, decir que Newman aparece en pantalla en cada uno de los 90 minutos de metraje de la cinta.

A continuación el tráiler:


Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

jueves, 18 de agosto de 2016

pelicula: El bueno, el feo y el malo

Muy buenas a todos. La entrada de hoy es de una de mis películas de cabecera, uno de los mejores westerns de la historia del cine a pesar que entre dentro de la clasificación de los spaghetti western. El film supuso el punto y final a la llamada " trilogía del dólar " y a la colaboración de su protagonista principal con el artífice de las mismas. Viajemos a la guerra de secesión donde tres pistoleros intentaran hacerse con un jugoso botín escondido en un cementerio. ¿Listos? Allá vamos.


Dirigida por Sergio Leone en 1966, la cinta ambientada en la guerra de secesión, nos cuenta las aventuras de Rubio, Clint Eastwood; Tuco, Eli Wallach y Sentencia, Lee Van Cleef, que lucharán por conseguir  los 200.000 dólares escondidos en un cementerio conociendo cada uno una pista que lleva al ansiado tesoro por lo que las alianzas y traiciones surgen entre los protagonistas.

¿Qué se puede decir de esta película que no se haya dicho ya? Es una cinta que pese a contar con la friolera de 50 años desde su realización, sigue entreteniendo igual desde el momento de su estreno. No aburre en ningún momento, sus dos horas y media de duración pasan en un suspiro y tiene uno de los mejores duelos, en este caso triello, de la historia del cine donde el montaje y la música son esenciales.

El film fue el más ambicioso de Leone hasta la fecha, quería despedirse por la puerta grande del spaghetti western y lo consigue. Pocos peros o fallos se le pueden sacar a una cinta que funciona a la perfección en todos los sentidos. Comenzando por Leone, logrando aquí su película más redonda, y continuando por el trío protagonista en donde destaca por méritos propios el personaje de Wallach.

Eli Wallach roba cada una de las escenas en las que aparece y se puede llegar a pensar que es él el verdadero protagonista  Tal vez esta fuera una de las razones del disgusto de Eastwood con Leone, viendo como aquí perdía todo el protagonismo que tenía en las dos cintas anteriores junto al realizador italiano.

Así es del personaje de Wallach del que llegamos a saber más, de su pasado y la razón que le puede haberse convertido en el bandido que es hoy. Por instantes como el de la iglesia o por los aportes humorísticos que tiene, es al que el espectador llega a coger más cariño puesto que le conoce más que a sus compañeros protagonistas de los que no sabemos nada en absoluto.

La música de Morricone merece capítulo aparte. El famoso compositor italiano logra aquí una de sus mejores partituras y consigue que sus temas ya formen parte de la historia del cine. Si uno escucha su banda sonora y cierra los ojos, las imágenes acuden a su cabeza ya que ambas van muy unidas y resulta complicado entender la una sin la otra. El ejemplo más claro lo podemos encontrar en el tema " Il triello ".

Aquí lo tenéis:




Toda la cinta está llena de humor negro, la mayor parte gracias a Eli Wallach, que hace que uno no pueda evitar reírse o que una sonrisa acuda a los labios del espectador. Especialmente hilarante son los insultos de Tuco, el momento en que se cruzan Rubio y Tuco con una caravana de soldados o las frases acerca de como se divide el mundo que se intercambian Tuco y Rubio.

Al tratarse de un film de Leone la violencia hace acto de presencia e incluso tiene un momento que pocas veces se había visto en la pantalla grande cuando se estrenó la cinta. Me refiero al instante en que Sentencia abofetea sin compasión a una prostituta para sacarle la información sobre una persona a la que está buscando. Si la memoria no me falla, esta es la primera vez que los espectadores de la época podían ver algo así, pese a que unos años antes en Gilda Rita Hayworth sufriera en su carnes una de las bofetadas más famosas de la historia del cine. Pero Leone lo hace de forma mucho más violenta. De igual forma ocurre con la tortura y paliza a que es sometido Tuco, hoy puede no extrañarnos pero estamos hablando de los años 60 donde la censura estaba al quite de eliminar todo aquello que le pareciese pernicioso para la audiencia.

Varias son las secuencias a destacar: la presentación de cada uno de los personajes; la persecución entre Tuco y Rubio; el momento de la iglesia antes citado y por supuesto el final en el cementerio en el que los personajes lucharán por hacerse con el tan ansiado botín después de todas las aventuras por las que han pasado para conseguirlo.

Una de las películas de visionado obligatorio si os gusta el cine. No haberla visto es un pecado y de los gordos, por lo que si no la habéis visto ya estáis tardando en hacerlo. Para todos aquellos que lo hemos hecho en más de una ocasión, siempre es un placer el volver a verla y encontrarse con tres de los personajes icónicos del cine.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.