sábado, 3 de diciembre de 2016

comic: Freaks

La primera vez que se usó el término Freak  fue en la cinta homónima Freaks de Tod Browning que llegó a España con el título La parada de los monstruos. En aquel momento freak servía para definir todo aquello raro, anómalo o extraño. De forma posterior fue evolucionando en nuestro idioma para designar a todas aquellas personas, que se salían de lo normal y que su comportamiento se alejaba de lo dictaminado por la sociedad. Hoy día un friki es aquel sujeto obsesionado con un determinado tema, llámese cine, comic o rol. Y son precisamente los freaks los protagonistas de la entrada de hoy, gracias a la editorial que me hizo llegar un ejemplar de cortesía para reseñar, en un tebeo cargado de humor y que mantiene a los lectores con una sonrisa permanente.

Con guión y dibujos de Aitor Iñaki Eraña el comic nos cuenta las diversas peripecias en el día a día de un grupo de amigos formado por Dante, gran aficionado al cine y supuesto líder de la pandilla; Pc, compañero de piso de Dante y apasionado de los videojuegos; Rol, como su propio nombre indica adicto a los juegos de rol; Eva, una chica gótica; Nikita, con aspecto de gato y protagonista de algunos de los instantes más bestias del volumen; Stanli, perro de Dante y con algunos de los mejores gags del comic y por último Alba, periodista y en apariencia la normal del grupo a quienes investiga para su tesis, con los que acabará formando una gran amistad.

Antes de ser editado en papel Freaks era publicado junto con otras tiras como Área 66 o HTV por el autor en su página web Con mano izquierda. En 2009 publicó su primer comic RIP y ha colaborado en publicaciones como El Jueves o La parada magazine,  o periódicos como el diario Noticias de Álava donde publicó en 2006 la tira Estívaliz, con V de Vitoria además ha trabajado en diversas producciones de animación. También ha editado la secuela de RIP titulada RIP vólumen II: Ángeles y Demonios y Dark Lord.
 
Comic muy divertido y que en no pocas ocasiones ha conseguido arrancarme más de una carcajada. Todos aquellos que somos frikis o que tenemos amigos con gustos parecidos a los protagonistas de esta obra, nos sentiremos identificados con algunas de las situaciones por las que pasan los protagonistas. Y es precisamente el sentido del humor el punto fuerte del volumen, el autor tira de ingenio para sacar adelante los gags y no caer en los chistes fáciles, pese a que de vez en cuando recurre a ellos cuando resulta necesario.

La cultura popular, recuerdos de la infancia, los videojuegos, los comics, el cine o el rol sirven al autor para que los protagonistas vivan sus aventuras. Así no resulta extraño ver en alguna que otra viñeta a un villano de la factoría Marvel, ejerciendo una profesión que le va como anillo al dedo por el terror que provoca en buena parte de la población o a un editor con una manía persecutoria a cierto trepamuros.


Algunas de las tiras que vemos en este volumen han sido corregidas o cambiadas por el autor, debido a que no quedó muy convencido en su momento o porque pensaba que quedarían mejor en su publicación en papel, como nos confiesa en las páginas finales en las que comenta cada una de las viñetas a modo de extra y que complementan al comic.

En el aspecto de comentar sus propias viñetas el comic me recordó a los volúmenes de Fan letal/Fan con nata de Cels Piñol, en donde el autor de los narigones hacía lo propio. Ignoro si con esto Aitor ha querido rendir homenaje al ñolo, apodo por el que se conoce a Piñol, o se trata tan solo de una coincidencia. Pero de lo que no hay duda es que ambos dibujantes saben retratar como nadie el mundo que rodea a los frikis.

Este comic recopila las 100 primeras historias publicadas por el autor en su web entre 2004 y 2007.  Algunas de las mismas nuevas y otras redibujadas, a las que se le ha dado un lavado de cara con motivo de su publicación en papel. Espero que en un futuro se publiquen el resto, puesto que me lo he pasado muy bien mientras iba leyéndolas.

En los siguientes enlaces podéis conocer más acerca del autor y a la vez disfrutar con algunas de las tiras que se han mencionado en la presente reseña:
http://elartedelmanco.tumblr.com/
http://guiadelcomic.es/aitor-erana/entrevista.htm



 

miércoles, 30 de noviembre de 2016

libro: Lucio Fulci Autopsia de un cineasta

Dentro del cine de terror italiano encontramos nombres como Ruggero Deodato (Holocausto Caníbal), Antonio Margheriti (Danza Macabra), Duccio Tessari (Una mariposa con alas ensangrentadas) o Emilio Miraglia (La dama roja mata siete veces) por citar algunos ejemplos. Pero sin duda alguna los realizadores más destacados son Mario Bava (Bahía de sangre), Dario Argento (Rojo oscuro) y Lucio Fulci (El más allá) los directores más importantes de este género cinematográfico. Es precisamente Fulci el protagonista de la entrada de hoy, en un ensayo en el que su obra es analizada de forma minuciosa.

Escrito por Javier Pueyo el libro supone un ensayo muy completo y pormenorizado de la filmografía del director romano. Compuesto por 17 capítulos dedicados a su obra tanto en televisión como en el cine, sus últimos filmes, entrevistas a personas que trabajaron con Fulci y la influencia que ha tenido en diversos realizadores, el autor hace un repaso de la carrera de Fulci mediante los diversos géneros en los que el realizador desarrolló su carrera. Desde sus inicios en la comedia, pasando por los spaghetti-western, el poliziesco, la acción, las aventuras, el drama y por supuesto el género por el que la mayoría de los aficionados al cine conoce a Fulci: el terror y los zombis.

En el libro encontramos un estudio de cada una de las cintas que componen la filmografía de Fulci, unos más exhaustivos que otros puesto que algunos de los títulos permanecen inéditos en nuestro país. Así el autor ofrece un breve resumen de los mismos, destacando las secuencias más importantes o los momentos por lo que se recuerdan esos filmes. Y es aquí donde encontramos el problema, al ofrecer un análisis tan detallado el final de algunas películas es desvelado. Si ya has visto los títulos del director romano no te importa, pero puede molestar y mucho a los que se acerquen a este ensayo y vean revelado el final de una película que tenían muchas ganas de ver.

A través de los diversos capítulos que conforman el presente ensayo el autor destaca dos elementos que son constantes dentro de la filmografía de Fulci. El primero de ellos es su uso de la violencia y el modo en que el cineasta la retrata. Mientras que otros realizadores de terror italiano como Dario Argento o Mario Bava eran más clásicos o artísticos a la hora de reflejar las muertes, Fulci era más salvaje cuando se trataba de mostrar las mismas. Baste recordar la secuencia de la astilla en Zombi 2, la del taladro en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o la botella rota en El destripador de Nueva York. Fulci se deleitaba en estos momentos, recreándose en el momento del fallecimiento de la víctima lo que le ha valido no pocas críticas de los periodistas más sesudos dedicados al cine y de sus detractores.

El segundo elemento presente es el profundo anticlericalismo del que hacía gala el realizador en no pocas ocasiones. Y que puede observarse en películas como Los cuatro del apocalipsis, Daemonia, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o Angustia de silencio por citar las más famosas y en donde las figuras religiosas no salían muy bien paradas. Bien sea por motivos de humillación al que son sometidos los protagonistas como en Los cuatro del apocalipsis, o por ser los responsables directos de los acontecimientos que desencadenan con su muerte como en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes.

El autor del libro no oculta en ningún momento su admiración por Fulci, lo que en algunas ocasiones le permite ser condescendiente con algunas de sus producciones, pero ser también duro con aquellas que no alcanzan unos mínimos de calidad. El ensayo supone revelar la pasión por un cineasta que pese a quien le pese ya forma parte de la historia del cine de terror por méritos propios. Y que cuenta tanto con detractores como con defensores. Con este director no hay término medio, o le amas o le odias.

El ensayo se encuentra profusamente ilustrado con posters y diversos fotogramas en muy buena calidad de las películas que son analizadas en los capítulos correspondientes.

En las entrevistas que encontramos en el libro, algunas de las personas que trabajaron con Fulci ya sea delante o detrás de las cámaras como Bernard Saray, Michele De Angelis o Beatrice Ring nos desvelan como fue su colaboración con el realizador italiano. Es conocido el mal carácter del que hacía gala el director de El más allá, algo que queda contrastado en algunas de estas interviús y en algunos pasajes del ensayo. Mientras que unos lo afirman otros lo niegan, todo depende de como fuera su relación con él. Pero en lo que si están de acuerdo todos los entrevistados, era la profesionalidad de la que hacía gala realizador.

Un ensayo que satisfará a aquellos que quieran saber más sobre este director, que pese a haber desarrollado su carrera en diferentes géneros cinematográficos será siempre recordado por su aportación al terror y por mostrarnos unos zombis putrefactos que nada tenían que ver por los mostrados por George A. Romero en sus filmes La noche de los muertos vivientes, Zombi y El día de los muertos. Y que pese a alguna errata que otra, no debe de restar puntos a una obra muy interesante y que permite acercarse de manera amena a la figura de este director.


lunes, 28 de noviembre de 2016

documental: Hitchock/Truffaut

Uno de los libros más recomendados para los aficionados al cine es "El cine según Hitchcock", resultado de una serie de conversaciones que mantuvieron durante ocho días en 1966 el realizador inglés con el director francés François Truffaut. El resultado de las mismas se plasmó en el libro antes citado, ahora cincuenta años después el realizador Kent Jones invita a algunos de los realizadores más importante del pasado y presente de la historia del cine como Martin Scorsese, David Fincher o Wes Anderson entre otros para que den su opinión acerca del mago del suspense.


El documental con una duración escasa de apenas 80 minutos y narrado por Mathieu Almaric (La Venus de las Pieles, Quantum of Solace) sabe a poco, uno se queda con saber más acerca del mago del suspense. La cinta supone una carta de amor al cine, mediante dos de sus realizadores más destacados y la admiración que despertaba, y sigue despertando el mago del suspense.

A través de diversas opiniones de Scorsese, Anderson, Fincher o Peter Bogdanovich los espectadores descubrirán como Hitchock era más que un simple realizador que hacía filmes de suspense. Era un obsesivo del trabajo, prueba de ello es la planificación que llevaba a cabo antes de embarcarse en un nuevo rodaje o la dirección de actores a quienes exprimía al máximo y de forma especial a las actrices. Baste recordar su famosa frase "Niego que alguna vez dije que los actores son ganado. Lo que dije fue que los actores deberían ser tratados como ganado".

Uno de los realizadores que se declara más admirador de Hitchcock y que más minutos tiene en el documental es Martin Scorsese. El director de Casino no puede evitar emocionarse acerca de los sentimientos que le produjeron ver algunas de las cintas del mago del suspense.

El documental está adornado por diversas secuencias de algunas de las obras más destacadas de la filmografía de Hithcock, como La ventana indiscreta, Sospecha, Vértigo o Con la muerte en los talones por citar tan solo algunas. Bastante curioso resulta ver en pantalla el storyboard de la escena de la ducha de Psicosis explicada por el propio Hitchock y extraída de las conversaciones.


Uno de los momentos a destacar dentro del documental ocurre a finales del mismo, cuando los espectadores son testigos de la sesión de fotos que llevaron a cabo ambos realizadores y del buen entendimiento que hubo entre ellos en todo momento. No en vano, a raíz de esta serie de entrevistas surgió entre ambos realizadores una relación de amistad que se mantuvo durante años hasta el fallecimiento de Hitchock.

Otro de los momentos a destacar es cuando realizadores actuales como Scorsese o Fincher se pregunta de si Hithcock hubiera podido trabajar con actores tan metódicos de la actuación como Robert DeNiro, Al Pacino o Dustin Hoffman en caso de haber coincidido en el tiempo y conociendo como se preparaban sus papeles los intérpretes mencionados. Hubiera sido bastante curioso desde luego.

Un documental imprescindible que los aficionados al cine no deberían dejar pasar. Tanto por su valor cinematográfico como por ver plasmado en imágenes uno de los mejores libros de entrevistas de la historia del cine y que nos  recuerda la razón de nuestra pasión por el séptimo arte.

Cuando uno acaba de verlo, le entran ganas de volver a ver algunas de las cintas que se comentan para volver a fijarse en los detalles que son mencionados en el mismo y que ya forman parte de la historia del cine.

A continuación el tráiler:

sábado, 26 de noviembre de 2016

microteatro: Avon llama a tu puerta

Una de las frases que más escuchaban las amas de casa años ha, era "Avon llama" y en el que unas señoritas se dedicaban a vender puerta por puerta productos de cosmética. Es precisamente este famoso reclamo publicitario, que los que hemos sobrepasado la treintena hemos oído en alguna que otra ocasión, la base sobre la que se asienta la obra de microteatro que tuve oportunidad de ver ayer y que fue su último pase. Una vez más agradecer a los responsables del recinto la cesión de una entrada para poder disfrutar de la misma.

Dirigida por Darío Frías y con guión de Fátima Delgado y Víctor Sánchez Alonso, la trama nos cuenta como María (Fátima Delgado) es una opositora para ser notaria muy agobiada que recibe la visita de Moni (Brishel Santoro) vendedora de Avon que le hará tomarse la vida de otra manera.

Obra muy divertida cuyo punto fuerte es la buena química que demuestran sus dos actrices. Ambas se compentran bien gracias a sus personalidades distintas, que acaban por complementarse en el tercio final de la misma.

Después de una larga trayectoría a sus espaldas como intérprete, Darío Frías vuelve a ponerse a dirigir una obra de microteatro tras haberlo hecho en anteriores ocasiones y haber hecho lo propio en formato largo. La opción de la comedia ha sido acertada, ya que es un terreno en el que suele desenvolverse bien este actor al que hemos visto en roles episódicos en Mis adorables vecinos, Con el culo al aire o Cuéntame como pasó, o en la cinta Esto no es una cita ya reseñada aquí http://cinefagia80.blogspot.com.es/2014/12/pelicula-esto-no-es-una-cita.html, y a quien veremos en pantalla dentro de poco en Cinebasura: La película.

Esta era la segunda ocasión en la que tenía ocasión de ver a Fátima, después de haberla visto en un rol más serio en la obra No sin mi libro http://cinefagia80.blogspot.com.es/2016/01/microteatro-no-sin-mi-libro.html aquí tiene oportunidad de interpretar un rol más relajado y divertido, dando rienda suelta a su faceta más payasa y demostrando una gran vis cómica.

El personaje que interpreta en esta ocasión es el de una persona inocente, con muchos miedos e inseguridades y que necesitaba el toque de atención y espabilar, lo que consigue gracias a la visita de la vendedora de Avon.

En cuanto a su compañera de reparto esta era la primera ocasión en que tenía ocasión de verla y espero que no sea la única. Es el contrapunto perfecto a Fátima, a quién va cambiando poco a poco a medida que avanza la obra. Se puede decir que es su Pepito Grillo pero a la inversa, aquí el rol que desempeña Brishel anima a Fátima a vivir más la vida, a ser algo más alocada y a tomar decisiones por ella misma.

Brishel se mete en la piel de la típica vendedora que está de vuelta de todo, con mucha labia y que no deja escapar una venta si tiene ocasión. Su estilo de vivir la vida en nada tiene que ver con el de Fátima, el personaje que interpreta demuestra haber vivido mil cosas y exprimido la vida al máximo.

Uno de los instantes que más hilaridad causaron en la audiencia, fue cuando el personaje de Fátima da rienda suelta a la niña que lleva dentro y deja salir toda la tensión que llevaba dentro a causa de la oposición. Seguro que a los más puristas de la música no les hará gracia la defensa de cierto estilo musical que tiene gran importancia en la trama, pero que demuestra ser clave para que María se suelte y aprenda a vivir la vida.

Pese al tono abiertamente cómico de la obra, hay un transfondo bastante trágico y es el de seguir aquellas imposiciones o tradiciones existentes en una familia, tan solo para seguir con el legado que ha sido norma en la misma, ya sean médicos, arquitectos o abogados como ocurre en el caso de la protagonista de la obra. Sus padres nunca les preguntaron si de verdad querían desempeñar una profesión que han venido desempeñando de generación en generación.

Una nueva muestra del talento que demuestran los implicados que sacan adelante los proyectos de microteatro. Pese a que ya no esté la obra en cartel, en el siguiente enlace podéis echar un vistazo a las obras que se están representando y que lo harán en un futuro: http://www.elesconditeatro.com/


miércoles, 23 de noviembre de 2016

series: top intro series vol. 4

Hoy de nuevo volvemos a retomar un hilo en el que vamos a recordar aquellas intros de nuestras series favoritas. Tal y como ocurrió en la entrada anterior, vamos a hablar de shows de dibujos animados que marcaron la infancia de muchos, con personajes en su mayoría que ya forman parte de la cultura popular. Así pues preparar el bocadillo de nocilla y vamos a dejarnos llevar por la nostalgia.

Thundercats: emitida entre 1985 y 1989, la serie constó de 130 capítulos repartidos entre 4 temporadas. La serie se basaba en los personajes creados por Theodore Walter Wolff y fue dirigida por el japonés Katsuhito Ayama. El tema fue compuesto por Bernard Hoffer. La trama nos contaba como los Thundercats, unos felinos humanoides con habilidades especiales como fuerza o velocidad, huyen de la explosión de su planeta y buscan uno nuevo donde vivir. Al llegar al tercer planeta, llamado así por ser el tercero más próximo al sol, tendrán que hacer frente a los mutantes liderados por el temible hechicero Mumm-Ra. Acción, aventuras y diversión para una serie que de forma reciente ha sido objeto de remake y cuya intro de entrada es de las más dinámicas dentro de los dibujos animados de los ochenta como podréis ver a continuación:




Bravestarr:  emitida entre 1987 a 1988, contó con una única temporada de 65 episodios.Perteneciente a Filmnation, mismo estudio de animación que He-Man, la serie fue creada por Donald Kusher y Peter Locke. La trama nos contaba como en el Siglo XXIII en el planeta conocido como Nuevo Texas, el marshall Bravestarr ayudado por su caballo Treinta-Treinta tratará de impedir que la pandilla carroña liderada por el malvado Tex-Hex se haga con el kerium, un mineral de gran valor. Esta es la primera serie en la que un nativo americano era el protagonista, y sus poderes venían al invocar los espíritus del oso, águila, lobo y puma que le proporcionaban fuerza, ver a grandes distancias, oír cosas que otros no oían y super velocidad respectivamente. Al igual que en el show de He-Man, al final de cada capítulo había una lección moral.  Una serie bastante divertida y que ha pasado un poco más desapercibida que otras de la época, lo que es una pena puesto que era muy entretenida. A continuación la intro:




He-Man y los Masters del Universo: basada en la línea de juguetes creada por Mattel, tuvo dos temporadas emitidas entre 1983 a 1985 y constó de 130 capítulos. El tema de cabecera fue obra de Shuki Levy y Haim Saban. La serie nos contaba como en el planeta Eternia, el príncipe Adam se transformaba en He-Man y con la ayuda de sus aliados impedía los malvados planes de su némesis Skeletor. Serie recordada por muchos que estamos en la treintena y con cuyos juguetes hemos jugado en alguna que otra ocasión. Fue adaptada al cine en 1987 con Dolph Lundgren y Frank Langella, dando vida a He-Man y Skeletor respectivamente. Al igual que ocurría con Bravestarr, al final de cada episodio había una lección moral. A continuación la intro:



Gárgolas: creada por Greg Weisman y Frank Pur, contó con  temporadas emitidas entre 1994 a 1997 y constaba de 78 capítulos. Fue emitida por Disney y se caracterizaba por un tono oscuro que no solían tener las series emitidas por la factoría del ratón Mickey. La trama de la serie nos contaba como las gárgolas lideradas por Goliath protegían el castillo escocés de Wyvern hasta que fueron hechizados y solo podían romper el hechizo cuando el castillo fuera elevado sobre las nubes. Cuando el billonario Xanadu traslada el castillo a Nueva York, nuestros protagonistas despiertan y protegerán a la ciudad de la amenaza de Xanadu, Demonia y el gran mago. Una serie donde la magia, la mitología y la acción eran las bases sobre las que asentaba y contaba un diseño de personajes bastante molón. A modo de curiosidad parte del reparto de las series de Star Trek como Voyager, Espacio profundo nueve y La nueva generación prestó sus voces a algunos de los personajes. A continuación la intro:





martes, 22 de noviembre de 2016

libro: Delirios de persecución

Hoy vuelve a aparecer por este blog una autora que apareció unas entradas atrás. En esta ocasión vengo a hablaros de la obra que supuso su debut en el mundo literario, una hábil mezcla de thriller y drama que engancha desde sus primeras páginas, donde pasado y presente se dan la mano y mantiene la atención de los lectores en sus casi 300 páginas.

Escrito por Alicia Huerta el libro nos narra la historia de Marcos, quién tras perder a su mujer Claudia y su hijo de manera trágica se tomará una excedencia de su trabajo para viajar a Santander para recuperarse. Lejos está de imaginar la aventura que está a punto de vivir, cuando se vea involucrado sin pretenderlo en una trama de tráfico de obras de arte y en donde su mujer, a quién recuerda de manera constante, tiene mucho que ver.

Pasado y presente se dan la mano en una narración ágil y con constantes saltos en el tiempo, en donde poco a poco vamos conociendo más acerca del pasado de Marcos y de como la enfermedad mental que padecía su mujer, manía persecutoria, afectaba su relación.

Es precisamente la culpabilidad el cimiento en el que asienta el libro. ¿Los acontecimientos hubieran discurrido de otra forma de haber hecho caso Marcos a lo que le decía su mujer? ¿Todo lo que contaba lo ignoraba conociendo la enfermedad que padecía, creyendo que eran fruto de su imaginación? Eso es lo que Marcos no deja de preguntarse a medida que va conociendo más las circunstancias que rodearon la misteriosa muerte de su esposa y la rememora en sus recuerdos.

Mediante un personaje ficticio Alicia nos muestra una triste realidad. La de aquellas personas que ven condicionada su vida y relaciones por tener a alguien de su entorno afectada de manía persecutoria. La paciencia que demuestran día a día es digna de elogiar, pero llegan momentos en los que no pueden más y se derrumban viéndose impotentes ante el avance de la enfermedad y la manera en la que afecta a sus seres queridos.

Los tres protagonistas principales, Marcos, María y Claudia están muy bien construidos y presentan no pocas capas, que nos van siendo reveladas a medida que avanzan la investigación sobre el paradero del codiciado tesoro y las circunstancias que rodearon la muerte de Claudia. Tanto Marcos como María, a quién conoce en Santander, son dos personas marcadas por un pasado del que no pueden huir y del que intentan escapar sin conseguirlo.

Además de la culpabilidad temas como el amor, la codicia o la duda están presentes a lo largo de las páginas. Todos ellos conforman un perfecto coctel en el que estos sentimientos acompañan a los lectores a medida que avanzan en la lectura.

El final de la obra, que por supuesto no voy a desvelar, casa con el tono predominante que tiene el libro. Es bastante amargo, en el que sin embargo podemos ver un leve rayo de esperanza para el personaje de Marcos, cuya evolución a lo largo de la trama es más que evidente. El Marcos que vemos al final de la novela no se parece en nada al que conocimos cuando empezó todo.

A medida que avanzaba en su lectura me pareció ver como la autora rendía homenaje, no sé si de forma evidente o no, a una obra clave de la literatura negra como es El halcón maltés de Dashiel Hammet. En donde un grupo de personas andaban tras la pista de un objeto de gran valor, y no se detendrían ante nada para conseguirlo. Pese a que tanto El halcón maltés como Delirios de persecución no podrían ser más distintas en su conclusión.

Un buen libro que nos mantiene enganchados y en donde las relaciones entre los personajes importan más que el misterio que planea a lo largo de sus páginas.




domingo, 20 de noviembre de 2016

pelicula: La llegada

Durante los últimos 20 años están surgiendo una serie de realizadores llamados a recoger el testigo de los directores clásicos. Los primeros ejemplos que se me vienen a la mente son David Fincher, Christopher Nolan y Denis Villeneuve. Es precisamente la última propuesta del canadiense la que se va a analizar hoy en este blog, una cinta de ciencia ficción cuyo espíritu se acerca bastante a Interstellar, y en algunas ocasiones a El árbol de la vida de Terrence Malick, en el que es hasta ahora el último film estrenado del director de la trilogía del caballero oscuro.

Dirigida por Denis Villeneuve con guión de Eric Heisserer y basado en el cuento corto "Historia de tu vida" de Ted Chiang, la trama nos cuenta como la llegada de 12 naves a nuestro planeta hace que los militares estadounidenses a las ordenes del coronel Weber (Forest Whitaker), se pongan en contacto con la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) para determinar las intenciones de los visitantes. En su aventura contará con la ayuda del físico Ian Donnelly (Jeremy Renner).

Ya durante los primeros avances de la cinta se veía que estábamos ante algo distinto. Los trailers nos mostraban lo necesario. Cuanto menos sepas de La llegada mejor, hay que llegar lo más ignorante posible a la proyección.

Con apenas dos años de diferencia se han estrenado en nuestras pantallas dos de las mejores cintas de la ciencia ficción de los últimos años. La cinta que hoy se analiza y la ya citada Interstellar. Ambos films tratan la ciencia ficción desde un aspecto más terrenal y metafísico, pero sin dejar de lado el aspecto fantástico de la historia pese a que este sea lo de menos. Las dos cintas buscan crear emociones y sensaciones en el espectador, haciéndoles pensar a la vez que disfrutan de una propuesta que se sale de lo habitual hoy día.

Varios son los aspectos a destacar dentro de la película. El primero de ellos como no podía ser de otra forma es la realización de Villenueve, que con cada nueva propuesta no para de dar alegrías a los que le venimos siguiendo desde Incendies la cinta que le dio a conocer al gran público. Es un cineasta que aporta su particular punto de vista en cada nuevo proyecto en el que se involucra y que no deja indiferentes a los espectadores. Si con esta cinta ha conseguido tan buenos resultados contando con un presupuesto modesto, no quiero ni imaginar lo que puede hacer con uno más amplio como el que contará en la secuela de Blade Runner y en la que contará con Ryan Gosling y Harrison Ford en su reparto.

Los dos siguientes aspectos son como no podía ser de otra forma el trabajo de los actores. En primer lugar destacar la interpretación de Amy Ryan. Con esta nueva cinta demuestra ser una de las interpretes con más talento de su generación, capaz de saltar de grandes superproducciones como El hombre de acero a otras cintas más modestas como La duda, The fighter o The master en los que mostrar su talento como actriz. Por estos tres papeles estuvo nominada a los Oscar, sin que todavía haya ganado la tan ansiada estatuilla. Aquí Adams interpreta a una mujer decidida y que busca encontrar un entendimiento con los extraterrestres que han llegado a nuestro planeta. En no pocas ocasiones en La llegada Adams consigue transmitir más con una mirada o con gestos que con líneas de diálogo.

Su compañero de reparto Renner no le anda a la zaga. Aquí demuestra que es capaz de ofrecer buenas interpretaciones y de ser un buen actor dramático si le dan los roles adecuados, como ya se encargó de demostrar en En tierra hostil, papel por que fue fue nominado a mejor actor, The Town, volviendo a estar nominado esta vez en la categoría de actor secundario, o La gran estafa americana en la que coincidiría por primera vez con Adams. Al igual que su compañera de reparto, alterna las grandes producciones como Los vengadores o Misión imposible: nación secreta con producciones más modestas como Matar al mensajero. En La llegada sirve de contrapunto perfecto al personaje de Adams, aportando un sentido del humor bastante irónico. Su personaje demuestra ser esencial en un momento determinado, y que por supuesto no voy a desvelar para no reventaros la película.

El cuarto aspecto es el uso de los efectos especiales, de los cuales no se abusa a lo largo del metraje. Así hay que destacar tanto el aspecto que lucen los extraterrestres, de aspecto sencillo pero a la vez impresionante, como por la forma que tienen de comunicarse con la lingüista a la que da vida Adams. Aquí los efectos sirven para complementar a la historia y no al revés.

A lo largo del metraje a los espectadores se les va dando piezas que han de ir ensamblando, las cuales terminan de encajar una vez acabada la cinta y hacen que todo lo que hemos estado viendo cobre sentido. Es una película a la que hay que permanecer atento y no perderse detalle de lo que está ocurriendo en pantalla.

Una gran cinta de ciencia ficción que nos demuestra que hay vida más allá de Star Trek o Star Wars y que está llamada a convertirse en uno de los clásicos de este género. Al que ya pertenecen filmes como 2001, Blade Runner o Interstellar.

A continuación el trailer: